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珐琅还原表盘上的画作美-【资讯】

发布时间:2021-07-15 18:24:56 阅读: 来源:夹头厂家

制表的技艺在于技术与艺术的集合,听上去轻描淡写,看上去美轮美奂。耗时百余小时,全部靠人手打造的表盘是腕表的“门面”,也是一副画卷。有珐琅、有微绘、有金雕,这些工艺打造出的表款将表盘上升至了画作的概念,而现实中的画作又靠这些工艺被复制到了表盘之上,说不上谁成就了谁。有技术无艺术,多了承载少了情感,靠工艺将二者结合到一起,会成为一副你想不出的巨作。画家用双手和颜料创作,工艺大师用指尖在方寸之间绘制,把两者放在一起,才有了如今的技艺之美。如下美轮美奂的表款,而当中大部分只接受预定,只有极少数会出现在店铺内,因为工艺的繁复所以无法实现量产,造价的高昂也是收藏者竞相追逐的目的,因为好的东西从来不需要物美价廉。

印象派作家喜欢在阳光下作画,靠一眼画出景色的模样,将颜料管直接涂抹在画布上,才有色彩之间的冲突美感。如此粗线条的演绎,居然被细腻的珐琅工艺搬到了表盘之上,用珐琅工艺复制而成的画作,居然在表盘的方寸之间生动的还原了色彩与画作本初意义。这款“The Birth of Venus”(维纳斯的诞生)由15世纪末佛罗伦萨的著名画家Sandro Botticelli创作而成,现在由积家运用珐琅工艺将其搬到了表盘上。

这款腕表为积家2016年的新品,它的官方名称为“积家Master Grande TraditionàRépétition Minutes超卓传统规范指针三问大师系列腕表”,而看过它的人都愿意称它为“那块梵高表”。之所以这么说,是因为表盘完美的复刻了梵高最负盛名的画作“Starry Night Over the Rhone”(罗纳河上的星夜)。这已经不是积家第一次完美复刻梵高的画作了,“向日葵”之后迎来了难度系数更高的“罗纳河上的星夜”

这款腕表最困难的创作点在于,梵高对于色彩的偏执将被怎么复制?他最喜欢蓝色与黄色,讲究色彩的冲突感,梵高在创作画时,画布上的颜料不是被笔刷涂抹上去,而是从颜料管上直接挤到画布上就开始创作,如此厚涂式的颜料作出的色彩,要被复制到表盘上,并且采用珐琅微绘工艺,就不单单是技术范畴,更是艺术范畴的事情。

烧纸是珐琅的关键,按照颜色受热不同,将每一个画填入表盘,描绘出图案和纹理,完成一个颜色的绘制就要进行烧纸,通常在800至850度的高温下进行,如此反复,直至最后呈现出想的色泽效果。这是整个珐琅制作过程中最具风险的一步,珐琅很容易碎裂,当它离开瓷窑时,在冷却过程中还可能会因突然的温度转变而碎裂,这样便会白白浪费了珐琅匠之前所花的无数时间与心血。为保证腕表的完美机械性能,珐琅彩绘大师的每一丝笔触都需精准至极,误差控制在0.2毫米之内。耗时百余小时。

CREDOR将日本浮世绘的图搬到了表盘之上。

这款腕表表盘的灵感源自名画「富岳三十六景」,以视觉体现日本美学。为展现日本极致美感,特地采用了代表19世纪江户时代的浮世绘师-葛饰北斋所绘「富岳三十六景」,其中一幅「神奈川冲浪里」运用远近法构图,带给视觉冲击,以及富含深度的氛围,获得全球高度评价。

葛饰北斋(Katsushika Hokusai,1760-1849年),本名中岛时太郎,1760年生于江户(现东京),是日本江户时代后期 的浮世绘师,日本化政文化的代表人物。他14岁学雕版印刷,18岁便和另一位浮世绘师胜川春章学画,开始了自己漫长且多产的画画生涯——但葛饰却是等到了 60岁以后才开始出名的。1826年,为了配合当时的日本内地旅游业的发展(多半也因为个人对富士山的情有独钟),北斋以富士山不同角度的样貌为题,创 作了《富岳三十六景》一系列的风景画,因而远近驰名,其中以《赤富士》和《神奈川冲浪里》(图示)最为知名。

此表款「富岳」在不到 2mm的空间内刻划出具有深度的波浪,并具体融合立体雕金与漆艺工法。金雕名匠照井清的立体雕金技法,赋予北斋笔下大胆狂澜的新生命。汹涌的波浪采用 18K黄金与白金,最厚处约1.6mm,最薄处仅约0.5mm,完全凭借指尖手感雕制而成。背面相同以海浪为题,雕金和漆艺交织,呈现俐落有序的光泽。此 外摆轮桥板下方设计有富岳(富士山)的雕金模样。要完成1只表款的雕金,更需要历时约200小时的细致作业。

大和民族泰斗级的莳绘艺术家增村纪一郎设计的这幅“金猴摘桃”以莳绘的形式出现在表盘之上,不聊聊禅学都对不起它。莳绘,“莳”者,播也,栽也,一个“莳”字,道出了日本莳绘播撒金粉或色粉成象再漆或罩明、研磨、推光的工艺。这幅画作,是在表盘上撒播的金粉凸显漆绘轮廓,采用由天然毛发制成的刷子再进行刷漆。每一一个瞬间都蕴含漫长的过往,日本人在工艺上就这么喜欢和自己过不去:要用最稀有的原料,要有最柔软的毛发,要逐层上漆,每一层还必须纤薄,还要一笔即永恒,因为没有下一笔可以后悔。

带有禅学意味的莳绘风格将东方文化中的“当下即永恒”,“一期一会”的禅意体现,从禅学角度出发赏画,你看到的这一眼也许就是人生中的最后一眼,你聚焦之处,偏偏是局部,是细节,所以才要更加细腻清新,才不会愧于你当下的这惊鸿一瞥,日本人为了对得起每一位观赏者的惊鸿一瞥,偏偏为难创作者自己,在细节上从不放过自己,对于这种拧巴他们这样安慰自己:“无论好与坏都在现世表现出来,所以死后不在彼岸发生。”加藤周一的话概括了日本美学中所有“物哀”的情感,翻译过来即是:这辈子淋漓尽致,下辈子放过自己。

树干上的纹路,枝叶上的色彩,还有金猴的绒毛,拜色彩所赐,一眼便能看出一只金猴栖身于结满硕果的树枝上,采摘蜜桃,夕阳的霞光晕染出一片金色天空。日本人喜欢用色彩感知一切,明明用肉眼都看不到的颜色差距,在日本的莳绘大师眼里都能分辨出不同的质感。每一个细节,至少有三四个不同切面的质感,用色彩绘出纹路。背景中的金色山谷呈现一派暖融融的景象,这也是色彩的功劳,让观赏者用心去体会自然景色之所在,暖阳照射下的山谷,就是自然中的模样。

表盘明明是静态的,却可以用想象力在动态空间中思索。这是日本人在绘画中常用的方法“隐秘”,没有夸张的表情,动作要处于静止状态,因为“动十分心,动七分身”,用心去控制内在的情绪,动作反而要含蓄。金猴摘桃的动作静止在结满硕果的树枝上,“八”个蜜桃它在全力摘取其中之一,动作处于静止,眼神却暴露了它的心:我想吃那个桃子。

“花鸟画”的黄金时代在宋朝,与刺绣相同,要求最大程度上的刻画出生物本身的样子与自然界本身的原貌,这一流派的形成从“格物”这一派开始。

宋代的哲学被称为“理学”,“理学”中有一派为“格物”。所谓“格物”,就是对每一件事物都要用非常认真的方法去分析和研究,找出构成这件事物的“道理”,这种儒家思想后来不止在绘画中,也在佛学中有所体现。

宋代将“格物”精神应用在绘画之上,就产生了许多非常写实和严谨的花鸟画。在宋代绘制的花鸟画种,你会发现,即使是一朵很小的花,也有复杂精密的结构,它的花瓣、花蕊、雌蕊、雄蕊、叶子的脉络,全部与自然界的生物无异,它完整的参考了自然界中所存在的真正的事物,加以写生描绘,需要经过长时间的观察才能够收货的创作。

“花鸟画”实则包含了植物、动物与昆虫在自然界所有的生存状态与生长现象,这种写实的功力以及对自然界的精密观察,宋代以花鸟著名的画家有宋徽宗、李迪、李嵩等,他们用尽一生,只为画一朵花或一只蝴蝶,以“格物”的精神,绘制大自然中的花鸟草虫,用精细的笔法绘制在很小的画纸之上,那些散落在大自然各处的生命,成为他们一生专注的对象,这也使得宋代的花鸟画成为绘画史的瑰宝,赢得了全世界的赞誉,也代表着中国古代花鸟画的黄金时代。

雅克德罗Petite Heure Minute Relief Carps

表盘之上的“荷塘月色”

雅克德罗的表盘艺术一直都是艺术品,色彩也是最具典范的搭配。这款腕表将日本锦鲤,用金雕、雕刻、珐琅等工艺与池塘融为一体,呈现出一组锦鲤游弋于一片纯净的水幕下,隐匿在盛开的莲花间,穿梭在细密的芦苇中的景象,两片荷叶托着一朵盛放的立体镶贴莲花,优雅地浮于水面,手工金雕芦苇则亭亭立于水间。表盘用K金线条勾勒出荷花的形状和芦苇的造型,锦鲤的身体都被雕刻的非常细腻,再施以半透明的珐琅覆盖,池塘的清澈见底被工艺展现出来。

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